Inhalt

• Schritte
• Tipps
• Warnungen

Stellen Sie sich vor: Sie haben eine Skriptidee - a großartig Idee - und will daraus eine Comedy- oder Drama-Erzählung machen. Wie gehe ich vor? Vielleicht möchten Sie sogar sofort in die Nachrichtenredaktion gehen, aber das Stück wird viel besser, wenn es Schritt für Schritt gut geplant ist. Führen Sie eine Brainstorming-Sitzung durch und erstellen Sie einen Überblick über die Struktur, um den Prozess zu segmentieren und zu vereinfachen.

Schritte

Teil 1 von 3: Ideen sammeln

1. 

   Entscheiden Sie, welche Art von Geschichte Sie erzählen möchten. Obwohl jede Geschichte anders ist, fallen die meisten Stücke in Kategorien, die dem Publikum helfen, die Beziehungen und Ereignisse im Text zu verstehen und zu interpretieren. Denken Sie an die Charaktere, die Sie darstellen möchten, und wie sich ihre Geschichten entwickeln werden. Sie:
   • Müssen Sie ein Rätsel lösen?
   • Gehen Sie durch eine Reihe heikler Situationen, um als Menschen zu wachsen?
   • Hören sie auf, naiv zu sein und sammeln sie Lebenserfahrung?
   • Sie stehen vor einer gefährlichen Reise, wie Odysseus inDie Odyssee?
   • Bringen sie Ordnung in die Dinge?
   • Überwinden sie verschiedene Hindernisse bei der Verfolgung eines Ziels?

2. 

   
   
   Brainstorming der grundlegenden Teile des Erzählbogens. Der Erzählbogen ist der Verlauf des Stückes vom Anfang bis zur Mitte und bis zum Ende. Die technischen Begriffe dieser drei Teile sind "Belichtung", "zunehmende Aktion" und "Auflösung" - immer in dieser Reihenfolge. Unabhängig von der Länge oder Anzahl der Akte im Stück, der Autor je Sie müssen diese drei Elemente entwickeln. Organisieren Sie, wie Sie die einzelnen Elemente untersuchen, bevor Sie den endgültigen Text schreiben.

3. 

   
   
   Entscheiden Sie, was Sie in die Ausstellung aufnehmen möchten. Die Ausstellung beginnt das Stück und bringt die grundlegenden Informationen der Handlung: Wo und wann spielt die Geschichte? Wer ist der Hauptcharakter? Wer sind die Nebenfiguren, einschließlich des Antagonisten (der Person, die den zentralen Konflikt verursacht)? Was ist der zentrale Konflikt der Charaktere? Was ist das Theatergenre (Komödie, Drama, Tragödie usw.)?

4. 

   
   
   Verwandeln Sie Exposition in wachsende Aktion. In der wachsenden Aktion werden die Situationen, mit denen die Charaktere konfrontiert sind, immer komplizierter. Der zentrale Konflikt ist das Hauptelement und trägt dazu bei, das Publikum immer angespannter zu machen. Dieser Konflikt kann mit einem anderen Charakter (dem Antagonisten), mit einem äußeren Zustand (Krieg, Armut, Trennung vom geliebten Menschen) oder mit dem Protagonisten selbst (zum Beispiel Unsicherheiten überwinden müssen) auftreten. Die wachsende Aktion führt zum Höhepunkt der Geschichte: dem angespanntesten Moment, in dem sich der Konflikt in einer kritischen Situation befindet.

5. 

   Entscheiden Sie, wie sich der Konflikt von selbst lösen soll. Die Resolution beendet die Spannung des Höhepunktkonflikts und beendet damit den Erzählbogen. Sie können sich ein Happy End vorstellen (in dem der Hauptcharakter bekommt, was er will), ein tragisches Ende (in dem der Leser etwas aus dem Versagen des Protagonisten lernt) oder ein Auflösung (in dem alle Fragen beantwortet werden).

6. 

   Verstehe den Unterschied zwischen Handlung und Geschichte. Die Erzählung des Stücks besteht aus der "Handlung" und der "Geschichte" - zwei unterschiedlichen Elementen, die zusammen entwickelt werden, um die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich zu ziehen. Der britische Schriftsteller E. M. Forster definierte "Geschichte" als das, was in dem Stück in chronologischer Reihenfolge passiert. Die "Handlung" wiederum ist die Logik, die die Ereignisse im Spiel miteinander verbindet und sie emotional wirkungsvoll macht. Ein Beispiel für den Unterschied:
   • Story: Die Freundin des Protagonisten hat sich von ihm getrennt. Dann verlor er seinen Job.
   • Inhalt: Die Freundin des Protagonisten hat sich von ihm getrennt. Untröstlich, er hatte einen emotionalen Zusammenbruch bei der Arbeit und wurde schließlich entlassen.
   • Sie müssen eine Geschichte entwickeln, die interessant ist und dabei hilft, das Stück in einem Tempo zu entfalten, das die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich zieht und gleichzeitig zeigt, wie sie auf lockere Weise miteinander verbunden sind. Auf diese Weise beginnt sich die Öffentlichkeit um die Charaktere und Ereignisse zu kümmern.

7. 

   Entwickle die Geschichte. Sie können die emotionale Resonanz der Handlung nicht vertiefen, ohne dass die Geschichte interessant ist. Denken Sie über die Grundelemente des Stücks nach, bevor Sie mit dem Schreiben beginnen. Beantworten Sie dazu die folgenden Fragen:
   • Wo spielt die Geschichte?
   • Wer ist der Protagonist (Hauptfigur) und wer sind die wichtigen Nebenfiguren?
   • Was ist der zentrale Konflikt dieser Charaktere im Spiel?
   • Was ist der "erste Vorfall", der die Handlung des Stücks auslöst und zum zentralen Konflikt führt?
   • Was passiert mit den Charakteren während des Konflikts?
   • Wie wird der Konflikt am Ende des Spiels gelöst? Wie wirkt es sich auf die Charaktere aus?

8. 

   Entwickeln Sie die Handlung, um die Geschichte zu vertiefen. Denken Sie daran, dass die Handlung dazu beiträgt, die Beziehung zwischen allen Elementen der Geschichte zu entwickeln (im vorherigen Schritt aufgeführt). Wenn Sie darüber nachdenken, versuchen Sie, die folgenden Fragen zu beantworten:
   • Wie ist die Beziehung der Charaktere zueinander?
   • Wie interagieren die Charaktere mit dem zentralen Konflikt? Welche sind am stärksten betroffen? Mögen?
   • Wie können Sie die Geschichte (die Ereignisse) so strukturieren, dass die richtigen Charaktere mit dem zentralen Konflikt interagieren?
   • Was ist der logische, zufällige Fortschritt von einem Ereignis zum nächsten - und einer, der dazu beiträgt, einen kontinuierlichen Fluss in Richtung Höhepunkt und Auflösung aufzubauen?

Teil 2 von 3: Über die Struktur des Stückes nachdenken

1. 

   Beginnen Sie mit einem Stück in einem Akt, wenn Sie keine Erfahrung haben. Bevor Sie das Stück schreiben, müssen Sie ein Gefühl dafür haben, wie Sie es strukturieren möchten. Das Einakter-Stück hat keine Unterbrechungen und ist daher ideal für unerfahrene Dramatiker. Ein Beispiel für ein Stück in einem Akt ist Rafameia oder Boi-de-Fogovon Gilvan de Brito. Obwohl dies die einfachste Struktur ist, denken Sie daran, dass jede Geschichte einen Erzählbogen mit Belichtung benötigt, der die Aktion und Auflösung erhöht.
   • Da die Stücke in einem Akt kein Intervall haben, sind die Szenarien, die Kleidung der Schauspieler und andere technische Details einfacher.

2. 

   Begrenzen Sie nicht die Länge Ihres Spiels in einem Akt. Diese Struktur hat nichts mit der Dauer der Show zu tun. Die Stücke können unterschiedliche Dauern haben: Einige haben zehn Minuten, andere eine Stunde.
   • Einige Stücke in einem Akt dauern einige Sekunden bis zehn Minuten. Sie eignen sich hervorragend für Schulpräsentationen und dergleichen sowie für Wettbewerbe für dieses spezielle Format.

3. 

   Schreiben Sie ein Stück in zwei Akten, um eine komplexere Geschichte zu erstellen. Dies ist die häufigste Struktur im zeitgenössischen Theater. Obwohl es keine spezifische Regel bezüglich der Länge der Stücke gibt, dauert jeder Akt im Allgemeinen ungefähr eine halbe Stunde - mit einem Intervall dazwischen. Während dieser Zeit kann das Publikum auf die Toilette gehen oder sich entspannen, über das Geschehene nachdenken und den im ersten Teil gezeigten Konflikt diskutieren. In der Zwischenzeit passt das Team die Szenerie, Kleidung und das Make-up der Schauspieler an. Jede Pause dauert ca. 15 Minuten. Berücksichtigen Sie dies beim Schreiben.
   • Die Arbeit Ein Rubin im Nabel, von Ferreira Gullar, ist ein Beispiel für ein Stück in zwei Akten.

4. 

   Passen Sie die Handlung an die Zwei-Akt-Struktur an. Mit dieser Struktur hat das Teilemontageteam mehr Zeit, um technische Anpassungen vorzunehmen. Da die Show eine Pause hat, ist es nicht möglich, der Geschichte eine so flüssige Erzählung zu geben. Strukturieren Sie es unter Berücksichtigung dieses Intervalls, um das Publikum angespannt und ängstlich für das zu machen, was nach dem ersten Akt kommt - unmittelbar in der wachsenden Aktion.
   • Der Hauptvorfall muss in der Mitte des ersten Aktes nach Kontextualisierung und Enthüllung geschehen.
   • Schreiben Sie nach dem Hauptvorfall mehrere Szenen, die das Publikum angespannt machen - ob dramatisch, tragisch oder komisch. Sie müssen zu einem Konflikt führen, der den ersten Akt beendet.
   • Beenden Sie den ersten Akt direkt nach dem angespanntesten Punkt in der Geschichte. Das Publikum wird gespannt auf das Ende der Pause und den Beginn des zweiten Aktes sein.
   • Beginnen Sie den zweiten Akt mit weniger Spannung als das Ende des ersten Aktes. Somit wird die Öffentlichkeit keine Angst haben oder den Aufprall spüren.
   • Schreiben Sie im zweiten Akt mehrere Szenen, die die Spannung in dem Konflikt erhöhen, der zum Höhepunkt führt (die Mehr angespannt), kurz vor dem Ende des Stückes.
   • Schreiben Sie die fallende Aktion und die Auflösung, um das Stück nicht abrupt zu beenden. Nicht jedes Stück braucht ein Happy End, aber das Publikum muss spüren, wie sich die Spannung über die veröffentlichten Acts aufbaut.

5. 

   Verwenden Sie die Drei-Akt-Struktur für längere, komplexere Diagramme. Wenn Sie unerfahren sind, beginnen Sie am besten mit einem Stück in ein oder zwei Akten - da diejenigen mit drei Akten länger sind. Es braucht mehr Erfahrung, um eine Produktion aufzubauen, die das Publikum für etwa zwei Stunden fesselt. Wenn die Geschichte, die Sie erzählen möchten, komplexer ist, ist es möglicherweise besser, die drei Akte zu schreiben. Genau wie bei zwei hat das Montageteam mehr Zeit, um die Landschaft, die Kleidung usw. anzupassen. in Pausen. Folgen Sie diesem Modell:
   • Der erste Akt ist die Ausstellung: Stellen Sie die Charaktere und relevanten Informationen schrittweise vor. Lassen Sie das Publikum Zuneigung für den Protagonisten und die Situation entwickeln, in der er sich befindet - so dass es zu einer emotionalen Reaktion kommt, wenn etwas schief geht. Dieser Akt muss auch das Problem darstellen, das Sie im Rest des Stücks entwickeln werden.
   • Der zweite Akt ist die Komplikation: Die Situation wird für den Protagonisten riskanter und angespannter, während das Problem auch komplizierter ist. Sie können beispielsweise wichtige Informationen in der Nähe des Höhepunkts anzeigen. Diese Offenbarung muss den Protagonisten schwanken lassen - bis er die Kraft hat, alles zu lösen. Das Ende des zweiten Aktes ist hoffnungslos, da die Pläne der Hauptfigur in Trümmern liegen.
   • Der dritte Akt ist die Lösung: Der Protagonist überwindet die Hindernisse des vorherigen Aktes und findet einen Weg, um zum Abschluss des Stücks zu gelangen. Denken Sie daran, dass nicht jedes Stück ein Happy End hat. Der Held kann zum Beispiel sterben. Wichtig ist, dass das Publikum aus der Erfahrung etwas lernt.
   • Die Arbeit Aranhol, von José Sizenando, ist ein Beispiel für ein Stück in drei Akten.

Teil 3 von 3: Das Stück schreiben

1. 

   Skizzieren Sie die Akte und Szenen. In den ersten beiden Abschnitten dieses Artikels haben Sie grundlegende Ideen für den Erzählbogen, die Geschichte und die Handlung sowie die Struktur erarbeitet. Bevor Sie mit dem Schreiben des Stücks beginnen, schreiben Sie alle diese Elemente detailliert auf Papier.
   • Wann werden Sie die wichtigen Charaktere vorstellen?
   • Wie viele verschiedene Szenen werden Sie aufnehmen? Und was genau passiert in jedem?
   • Schreiben Sie die Ereignisse auf und denken Sie dabei immer an den Fortschritt, den sie der Handlung geben.
   • Wann muss das Team das Szenario ändern? Die Kleidung? Denken Sie bei der detaillierteren Planung des Teils an diese technischen Elemente.

2. 

   Entwickeln Sie den Umriss weiter, um das Stück zu schreiben. Beginnen Sie mit den grundlegendsten Dialogen, ohne zu überlegen, ob sie natürlich sind oder wie die Schauspieler die Charaktere spielen. In dieser ersten Gliederung müssen Sie sich nur um die allgemeineren Teile kümmern.

3. 

   Erstellen Sie natürliche Dialoge. Geben Sie den Schauspielern ein gut konstruiertes Drehbuch, damit sie die Zeilen auf menschliche, reale und emotionale Weise interpretieren. Nehmen Sie auf, wie Sie die Dialoge laut vorlesen, und hören Sie dann den Ton. Achten Sie auf Teile, die roboterhaft oder matschig klingen. Denken Sie daran, dass die Figuren auch bei einem literarischen Stück natürlich klingen müssen. Versuchen Sie zum Beispiel nicht, gelernt zu werden, wenn sich der Protagonist bei der Arbeit oder beim Abendessen über etwas beschwert.

4. 

   Schreiben Sie tangentiale Gespräche. Jeder streift ein bisschen, wenn er mit Freunden und Bekannten spricht. Obwohl Sie über das Fortschreiten von Konflikten im Spiel nachdenken müssen, gibt es immer noch Raum für Ablenkungen - was den Text realistischer macht. Wenn der Protagonist beispielsweise mit jemandem über das Beenden einer Beziehung spricht, können Sie zwei oder drei Zeilen einfügen, in denen diese andere Person fragt, wie lange die Beziehung gedauert hat.

5. 

   Fügen Sie Unterbrechungen in die Dialoge ein. Selbst wenn sie nicht unhöflich sein wollen, unterbrechen sich die Leute ständig - sogar um positive Interjektionen wie "Ich verstehe" oder "Du hast Recht" zu machen. Die Leute unterbrechen sogar sich: "Ich - schau, es macht mir nichts aus, ihn am Samstag mitzunehmen - aber ich bin heutzutage sehr beschäftigt mit der Arbeit".
   • Haben Sie keine Angst, Satzfragmente zu verwenden. So sehr diese Praxis in bestimmten Textarten nicht gut angenommen wird, ist sie in alltäglichen Gesprächen immer noch üblich. Zum Beispiel: "Ich hasse Hunde. Alle von ihnen".

6. 

   Fügen Sie dem Team Anweisungen hinzu. Auf diese Weise verstehen die an der Produktion beteiligten Schauspieler und anderen Agenten Ihre Vision des Stücks. Verwenden Sie kursive Schriftarten oder eckige Klammern, um diese Richtlinien anzugeben, ohne sie mit den Dialogen zu verwechseln. Die Schauspieler verwenden ihre eigene kreative Lizenz, um die Zeilen zu interpretieren, aber Sie können eine allgemeinere Richtung angeben:
   • Konversationsrichtlinien:.
   • Körperliche Handlungen: e.
   • Emotionale Zustände: ,, etc.

7. 

   Schreiben Sie den Entwurf des Teils so oft wie nötig um. Ihr Stück wird nicht sofort perfekt sein. Selbst erfahrene Autoren müssen den Text mehrmals Korrektur lesen, bevor das Ergebnis zufriedenstellend ist. Lassen Sie sich Zeit! Fügen Sie mit jedem neuen Look weitere Details hinzu, um die Arbeit zu erledigen.
   • Denken Sie auch beim Hinzufügen weiterer Details daran, dass die Taste "Entf" sehr nützlich sein kann. Stellen Sie sich das so vor: Sie können sogar etwas Gutes finden, indem Sie das Schlechte nehmen. Entfernen Sie alle Dialoge und Ereignisse, die kein emotionales Gewicht haben.
   • Im Allgemeinen empfehlen Experten den Autoren, die Teile zu schneiden, die das Publikum überspringen würde, wenn sie das Stück lesen würden.

Tipps

• Die meisten Stücke spielen zu bestimmten Zeiten und an bestimmten Orten. Seien Sie konsequent. Zum Beispiel: Ein Charakter, der in den 1930er Jahren lebt, kann telefonieren oder einen Telegraphen benutzen, aber nicht fernsehen.
• Konsultieren Sie die Referenzen am Ende dieses Artikels (auf Englisch), um zu erfahren, wie Sie dem richtigen Format von Spielen folgen.
• Bei Bedarf improvisieren. Manchmal sind spontane Reden sogar besser als die ursprünglichen!
• Lesen Sie das Drehbuch einem kleinen Publikum vor. Die Stücke basieren auf Worten - und die Kraft oder das Fehlen von Wörtern ist offensichtlich, wenn es diesen Test gibt.
• Behalten Sie das Teil nicht für sich. Versuchen Sie es zu veröffentlichen, um zu zeigen, dass Sie schreiben!
• Schreiben Sie mehrere Entwürfe, auch wenn Sie mit dem ersten zufrieden sind.

Warnungen

• Die Theaterwelt ist voller Ideen, aber Sie müssen der Geschichte eine originelle Behandlung geben. Die Arbeit anderer zu stehlen ist nicht nur Plagiat, sondern ein Verbrechen, das fast immer entlarvt wird.
• Schützen Sie Ihre Arbeit. Geben Sie Ihren Namen und das Jahr, in dem Sie das Stück geschrieben haben, auf dem Cover an, gefolgt vom Copyright-Symbol.
• Lassen Sie sich nicht entmutigen, wenn Ihr Stück abgelehnt wird. Wenn Sie nicht einmal akzeptiert werden, versuchen Sie es mit einem anderen (auch wenn Sie ein anderes Stück schreiben müssen).